Reposisi Bahasa Rupa Tradisi Bali

seriyoga parta — Sun, 15 May 2011 10:49:53 +0000

Tradisi adalah sebuah konsep untuk meletakkan nilai-nilai kultural yang ada di masyarakat yang diwarisi secara turun-temurun, kategori tradisi dihadirkan sebagai kutub yang cenderung berlawanan dengan kemodernan. Tradisi dianggap mewakili kebudayaan yang stagnan, statis, maka dari itu cenderung dianggap sebagai menghambat usaha untuk mengejar kemajuan dan progres yang terus-menerus dari semangat modern. Akan tetapi dalam kenyataannya tradisi pada berbagai kebudayaan senantiasa mengalami dinamika dan evolusi, dikarenakan berbagai aspek sosial yang mempengaruhi masyarakat pendukungnya.

Kebudayaan Bali yang sejak lama dikatakan memiliki akar yang kuat dan terus tumbuh seiring dengan perkembangan zaman. Baik sejak mengalami persinggungan dengan kebudayaan Barat di awal abad ke-20 khususnya di Bali Selatan, yang dalam perkembangan kemudian meletakkan konstruksi pada kesadaran akan nilai-nilai luhur identitas budaya Bali dalam kerangka awal pariwisata budaya. Maupun disaat modernitas semakin kencang mendera dalam perkembangan pariwisata di Bali, kebudayaan tradisi kemudian mengalami diversikasi. Berupa pemisahan antara kepentingan religi dan kepentingan industri pariwisata, pemisahan tersebut tentunya tidak berjalan dengan damai namun penuh dengan dinamika sehingga pada akhirnya melahirkan konvensi tersebut.

Tradisi dan modernitas menjadi dua entitas penting dalam kebertahanan dan perkembangan kebudayaan Bali, kondisi yang lebih real dapat dilihat dalam perkembangan kesenian khususnya seni rupa. Pada masa pra-modernitas, masyarakat Bali pada umumnya telah biasa dengan aktivitas seni namun belum memiliki kesadaran akan profesi sebagai seniman. Berkarya (melukis) mereka jalani sama seperti halnya ketika mereka harus ngayah membuat gambar pewayangan langit-langit, mengukir relief pada bangunan pura, membuat patung perwujudan dewa-dewa. Seni rupa Bali pra modern sangat terkait dengan entitas agama-Hindu seni merupakan bagian inheren kehidupan keagamaan. Spirit ngayah mendasari aktivitas seni masyarakat Bali pada umumnya dan tidak ada keterpisahan antara akivitas seni sebagai aktivitas budaya dan aktivitas religi. Hal ini terepresentasi dalam tema-tema yang mereka angkat umumnya adalah di seputar epos Mahabarata dan Ramayana, Tantri, serta cerita lainnya dalam kitab Hindu.

Kehadiran Pitamaha tahun 1937 yang dibentuk oleh Cokorda Gede Raka Sukawati dengan Walter Spies dan Rodelf Bonnet. Hadir sebagai sebuah organisasi yang mewadahi aktivitas pelukis dan pematung Bali pada waktu itu, memberikan kontribusi pada bidang pemasaran karya seni. Lembaga ini bertugas mengumpulkan karya-karya seniman Ubud, Gianyar, Sanur dan Denpasar serta memfasilitasi dalam even pameran dan juga mencari pemasaran bagi karya-karya tersebut. Melalui Pitamaha inilah nilai-nilai identitas-estetik seni lukis Bali dan kesadaran senimannya dibangun, maka secara perlahan hadirlah personal-personal yang kemudian mulai dikukuhkan posisinya sebagai individu seniman.

Seiring dengan perkembangan zaman, para seniman yang berkarya dalam jalur yang kemudian disebut tradisi dan belajar secara otodidak ini lambat laun karya-karya mereka juga mengalami perkembangan. Perkembangan zaman (modernisasi) memberi dampak sangat besar dalam membentuk sikap dan persepsi mereka untuk memaknai tradisi, kedirian, dan modernitas. Jika umumnya seniman yang tumbuh dari latar akademisme memakai ideom (bahasa) seni modern untuk memaknai tradisi mereka, maka para seniman yang tumbuh dari tradisi justru merepitalisasi bahasa tradisi untuk memaknai perubahan akibat dari modernitas yang mereka alami.

Mereka mengembangkan seni rupa Bali yang sepenuhnya berbasis pada praktek, ketekunan dan keuletan dalam berkarya sehingga melahirkan master-master yang memiliki penguasaan teknik yang matang. Mereka bisa sampai membuat bentuk yang realis bukan karena mempelajari struktur, tulang, otot yang ketat dalam ilmu anatomi. Pembelajaran melukis oleh mereka sangat empiris dan sekaligus juga imajinatif, mendasarkan pada penyerapan dengan indra mata, dimulai dengan nempe (mencontoh) pada seorang guru pada akhirnya mereka mengambangkan imajinasinya hingga menemukan bahasa ungkapnya sendiri. Pengalaman lebih menempa perjalanan kreativitas mereka dari pada pengetahuan dan wawasan teoritik. Intuisi atau kesadaran dalam persaingan, kemudian menuntun mereka untuk mengembangkan karakter dan gaya masing-masing, yang tumbuh dari intuisi tentang eksistensi diri dalam persaingan kolektif.

Tradisi sebagai bahasa rupa bagi mereka adalah sama kedudukannya dan bahkan telah memiliki nilai yang khas yang membedakan mereka dari seniman akademis. Para seniman otodidak mengembangkan gagasan mereka dengan bahasa rupa yang dikembangkan dari bahasa rupa tradisi. Primadi Tabrani (2005) meneliti mengenai bahasa rupa sejak dari tahun 1970-an mengungkapkan bahasa rupa menitik beratkan ”pada cara mengambarnya”. Bahasa rupa tradisi khususnya di Bali masih terus diwarisi hingga saat ini, dan bahkan juga mengalami perkembangan. Perkembangan tersebut dapat dilihat dari karya-karya seniman yang dipresentasikan dalam pameran ini.

Perkembangan kekaryaan mereka bukan hanya merupakan fenomena visual semata, namun juga ada basis knowledge yang bekerja di dalamnya sebuah kesadaran pembelajaran yang berbeda dari ranah akademis yang terstruktur dalam kurikulum. Pembelajaran di balik kekaryaan mereka adalah sebuah fenomena yang menarik untuk dikaji, gagasan pameran ini tidak saja menampilkan representasi karya semata. Lebih lanjut merupakan sebuah penelitian untuk para seniman otodidak yang mengembangkan kreativitas kekaryaan mereka yang berbasis pada bahasa rupa tradisi. Pameran ini melibatkan 10 orang seniman yang berkarya seni patung dan juga seni lukis dan yang berkarya keduanya, mereka dipilih berdasarkan pengembangan bahasa rupa tradisi yang telah dilakukan melalui karya seni lukis dan seni patung.

Made Budi sejak tahun 1970-an sudah mengembangkan gaya tersendiri dari seni lukis Batuan yang sebelumnya sudah dikembangkan oleh pendahulunya Made Djata ditahun 1930-an mulai diperkenalkan dengan material, dan karya lukis dari Barat oleh antropolog Margaret Mead. Made Budi mengembangkan gaya naturalis dengan tema-tema tentang Bali sebagai sebuah destinasi pariwisata, kondisi-kondisi modernitas yang dia jalani sebagai bagian dari masyarakat Bali ditampilkan secara unik dengan bahasa rupa tradisi. Pengembangan yang signifikan terhadap bahasa rupa tradisi dalam kekaryaan Budi adalah penyerapannya terhadap perspektif, dapat dilihat dalam karya ”Rafting” tahun 1996 yang tetap ditampilkan dengan perspektif burung dan komposisi yang memenuhi kanvas.

Perkembangan yang berbeda terjadi pada kekaryaan alharmun Dewa Putu Mokoh dari Pengosekan Ubud, melukis dengan gaya khas yang naif seperti gaya melukis anak-anak dapat dilihat dalam karya ”Sorga Neraka” tahun 2001. Keunikannya yang lain dapat dilihat dalam karya ”Kain” 2004 yang hanya menampilkan kain yang sedang digantung, sepintas karya ini mungkin terlihat biasa-biasa saja namun dalam amatan penulis karya ini memperlihatkan kecenderungan Mokoh pada kesadaran komposisional. Seperti diketahui kecenderungan karya tradisi memakai komposisi yang cenderung penuh untuk menampilkan narasi secara utuh dalam satu bidang karya. Kini Mokoh melampui konvensi tersebut dengan menampilkan obyek secara bersahaja dengan posisi dipinggir kiri dan bidang yang lain dia biarkan kosong, bidang yang dapat diasosiasikan sebagai langit. Komposisi dalam karya Mokoh bukan semata untuk menampilkan narasi, kesadaran untuk mengeksplorasi aspek-aspek formal yang lebih intens.

Wayan Asta menemukan gaya ungkapnya yang khas dengan memakai monyet sebagai metafor untuk menampilkan ide-idenya dari pencerapannya pada fenomena keseharian. Berbeda dengan Mokoh yang mengembangkan gaya ungkap dalam bentuk-bentuk naif, maka Asta mengembangkan gaya ungkap yang realistik dengan intensitas penggarapan yang detail. Tradisi ikonisitas dalam karya-karya tradisi pewayangan dikembangan menjadi visual metafor oleh Asta.

Dewa Putu Kantor yang belajar seni lukis dari gaya Batuan dalam pencarian kreatifnya ia sampai pada mengeksplorasi kebersahajaan dan kekuatan garis, yang sebelumnya dikembangkan oleh Gusti Nyoman Lempad. Dewa Putu Kantor kerap mengetengahkan tema-tema fenomena keseharian, kerap kali dia mengangkat kembali cerita-cerita rakyat yang kontekstual dengan kondisi kekinian. Seperti pada karya berjudul ”Pan Paluk” 2008, yang penulis soroti dalam karya ini adalah aspek cara pengungkapnnya yang memberikan penekanan pada sosok Pan Paluk yang besar dengan kemaluan yang besar pula. Penekanan tersebut memiliki intensitas tertentu umumnya merupakan tokoh yang diutamakan atau yang dipentingkan, dapat dibandingkan dengan karya-karya prasejarah terutama dalam karya seni lukis Mesir selalu terdapat sosok yang lebih besar dari obyek-obyek lainnya. Tokoh yang dibesarkan tersebut menyiratkan kedudukannya sebagai pemimpin atau raja, dalam karyanya Dewa Kantor juga tengah mengangkat kembali kecenderungan bahasa rupa prasejarah yang telah lama dilupakan tersebut.

Dari pesisir Sanur kembali hadir IB. Mayun seorang arsitek yang memiliki kesadaran dalam mempertahankan nilai-nilai tradisi Bali dalam karya arsitektural, dan ia juga mengembangkan gaya lukisan yang terinspirasi oleh Gusti Made Deblog. Dalam kesehariannya di kediamannya di Griya Sanur yang mewarisi karya-karya almarhum Gusti Deblog, membuatnya tergerak untuk mengembangkan seni lukis hitam putih dengan mengutamakan karakter garis.

Seniman lainnya adalah Wayan Sadha yang lebih dikenal sebagai kartunis, karya-karyanya sarat dengan muatan kritis terhadap fenomena sosial di masyarakat. Sadha sebagai otodidak sejati tidak hanya berhenti mengambar, dia mengembangkan kekaryaannya hingga membuat karya cerpen. Di balik kesederhanaan hidupnya dia bergaul dengan berbagai kalangan dari orang biasa hingga intelektual, hal tersebut membuatnya mempunyai kepekaan sosial dan dengan kemampuan artistik dalam berolah rupa dengan garis membuatnya fasih dalam menampilkan ide-ide kreatif ke dalam karyanya. Karya ”Sunami” 2005 Sadha menampilkan kedasyatan fenomena alam yang menelan ratusan dan bahkan jutaan korban jiwa, manusia, hewan, harta benda dan sebagainya. Orang-orang terbawa air bah dan ada yang bisa menyelamatkan diri dengan bergelantungan di pohon dan di atas atap rumah, namun ada juga yang bergelantungan mengambil gambar atau video, dari pakaiannya bisa diidentifikasi mereka adalah para wartawan.

Sementara dari belahan utara Bali hadir Ketut Santosa sebagai pewaris seni lukis kaca, ia mengembangkan karakternya sendiri dengan medium kaca yang harus dilukis secara terbalik, dengan tingkat kesulitan tekniknya Santosa mampu menciptakan gayanya tersendiri. Karyanya yang berjudul ”Judi” 2006 Santosa merepresentasikan persoalan sosial dengan menempatkan dua tokoh punakawan Sangut-Delem dalam dunia pewayangan. Ia menggabungkan tokoh-tokoh dari pewayangan dengan manusia yang menampilkan persoalan-persoalan kekinian di masyarakat, divisualisasikan pada media lukis kaca.

Dalam perkembangan seni patung Bali fenomena yang menonjol adalah kecenderungan gaya rupa realis dan kecenderungan bentuk-bentuk imajiner yang merespon bahan dalam hal ini adalah kayu. Karya Ketut Muja yang berjudul ”Cinta Suci Akan Melahirkan Kehidupan Baru” 2008 adalah salah satu kecenderungan merespon material kayu dengan bentuk realistik. Sukanta Wahyu yang juga merespon bentuk kayu yang dia temukan untuk merealisasikan bentuk-bentuk yang lebih imajiner, ia lebih tertarik dengan dunia mitis dimana setiap benda di alam pasti memiliki energi. Energi inilah yang kemudian menjadi spirit baginya berkarya. Fenomena yang menarik dari kecenderungan seni patung yang dipresentasikan oleh kedua seniman ini, adalah sistem kerja yang berada dalam ranah imaji masing-masing dalam diri mereka. Sebuah proses yang menarik untuk dikaji karena mereka umumnya tidak melakukan studi bentuk atau desain terlebih dahulu, ide tentang bentuk itu muncul ketika mereka berhadapan dengan material kayu. Ide muncul seketika atau dalam proses perenungan dengan bahan, ketika sudah ketemu ide yang akan dibuat bentuk kemudian muncul dalam kayu tersebut seuasu dengan imajinasi mereka. Kinerja kreatif ini merupakan salah satu basis pengetahuan (knowledge) yang khas dari para seniman otodidak, yang dalam dunia akademis kerap digolongkan tidak ilmiah.

Fenomena lain yang menarik dari mereka ternyata tidak hanya mengeleti satu bidang saja, IB. Alit selain membuat patung juga melukis, secara kebentukan patungnya terlihat biasa namun dalam finishing IB. Alit kemudian melukis permukaan patung dengan cat akrilik. Lihat saja patung yang berjudul ”Piece” 2009 dan ”Song” 2010 yang pada permukaannya dilukis dengan komposisi warna yang cenderung biru monokromatik dan aneka warna. Kebebasan ekspresi juga ia tuangkan dalam medium lukisan, seperti karya ”Warisan Leluhur” 2006 dan karya ”Jalan-Jalan Ke Sorga” 2010, IB. Alit menggabungkan elemen-elemen dari bentuk-bentuk tradisi seperti patung dan bentuk pewayangan dengan warna yang beragam dan cenderung cerah. IB. Alit berusaha mengaktualisasikan bahasa rupa tradisi dengan kecenderungan visual yang bersifat kekinian, yang salah satunya dicirikan dengan pemakaian warna-warna cerah tanpa campuran. Ia mengangkat nilai ornamentik dalam seni menghias dalam tradisi untuk kemudian dijadikan elemen visual yang dapat memberikan sense kekontemporeran.

Selain IB. Alit, seniman patung yang juga berkarya lukis adalah Sukanta Wahyu yang membuat kolase topeng kayu dalam kanvas dan ia juga memakai kolase benang sebagai aksen untuk karyanya. Berbeda dengan IB. Alit, Sukanta Wahyu tetap mengetengahkan karakter mistis dalam dua dimensinya yang berjudul ”Roh Gumi Bali” 2010, dia memakai warna tri datu (merah, putih dan hitam) dan warna emas yang dominan. Karakter mistis tetap menjadi bagian penting dalam karyanya yang kerap mengangkat nilai-nilai penciptaan- peleburan dan simbol-simbol Lingga-Yoni. Mereka tidak membatasi eksplorasi kreatinya pada medium tertentu kesadaran tersebut menjadikan mereka merambah keberbagai eksplorasi medium, Sukanta Wahyu bahkan juga kerap kali mambuat karya instlasi dalam pemeran-pameran yang diikutinya.

Dalam karya-karya seni lukis, seperti karya Dewa Putu Mokoh, Made Budi, Wayan Asta, IB. Alit, Ketut Santosa yang memakai medium kaca, terlihat rata-rata menampilkan garis pada obyek lukisan (outline) terlebih lagi pada karya Dewa Putu Kantor, IB. Mayun, Wayan Sadha, yang memang mengeksplorasi kekuatan garis untuk menerjemahkan ide-ide kreatif mereka. Garis dalam karya-karya representasi yang menggunakan bahasa rupa modern khususnya karya realis, dipakai hanya sebagai studi bentuk atau desain awal dalam proses berkarya. Sehingga kerap dikatakan sebagai gambar (drawing) atau mengambar yang kemudian dibedakan dengan lukis (painting) atau melukis yang memakai cat minyak atau cat air. Kehadiran outline sangat diminimalisir dalam karya realis karena dapat menganggu upaya untuk menampilkan realitas serealis (semirip) mungkin pada bidang lukisan. Garis membatasi upaya menampilkan volumetris atau kesan tiga dimensi pada obyek-obyek lukisan realis, karena garis menjadikan karya terlihat pipih atau dua dimensi.

Fenomena yang bertolak belakang pada karya-karya yang memakai bahasa rupa tradisi oleh para seniman dalam pameran ini yang justru menempatkan garis sebagai elemen utama dalam representasi obyek-obyek karya mereka. Hal ini disebabkan karena mereka bertolak dari bahasa rupa tradisi seperti seni wayang yang umumnya pipih, karya-karya tradisi pada umumnya menampilkan cerita-cerita dalam epos Mahabaratha, Ramayana, atau Tantri. Pada perkembangannya narasi dalam karya-karya yang menampilkan bahasa rupa tradisi menjadi tema keseharin dan pengalaman-pengalaman pribadi, dengan gaya ungkap mereka yang khas pada masing-masing seniman.

Yogyakarta, Nopember 2010

Filed under: Journal

Memasang Google Translate Di WordPress anda

seriyoga parta — Sun, 15 May 2011 10:22:52 +0000

Inginkah anda di blog WordPress.com anda terdapat fasilitas penerjemah bahasa? Yang tidak hanya menerjemahkan satu bahasa melainkan multi bahasa? Yang menerjemahkan isi blog anda tanpa meninggalkan theme blog anda? Bila ya! Anda wajib membaca artikel ini!

Google Translate! Bukan terdengar asing lagi. Bahkan hampir semua orang membicarakannya di posting blog mereka. Saya tidak akan membicarakan Google Translate, melainkan cara memasangnya di blog WordPress.com yang terkenal anti java scriptnya ini.bootingskoBlog

Bila anda hendak mengambil script langsung di Google Translate, maka anda akan mendapati kode Java Script. Dan kita tahu bahwa script tersebut tidak berlaku terhadap blog kita yang Free. Namun bagi anda yang sudah memakai WordPress dengan hosting sendiri, sudah pasti anda tidak akan mengalami kesulitan memasangnya.

Untuk lebih jelasnya coba anda pilih/klik salah satu gambar bendera terjemahan bahasa di sidebar saya.

Tapi untungnya ada kode Google Translate yang dapat dipasang di WordPress.com ini, langsung saja anda copy kode dibawah ini pada sidebar anda tanpa perlu merubah kodenya, kecuali yang dicetak merah diganti dengan alamat blog Anda. Kemudian paste-kan kode yang Anda copy pada widget text.

1. Google Translate dengan bendera persegi :

Bahasa Indonesia Ke Inggris :

Bahasa Indonesia Ke Cina :

Bahasa Indonesia Ke Korea :

Bahasa Indonesia Ke Jerman :

Bahasa Indonesia Ke Perancis :

Bahasa Indonesia Ke Jepang :

2. Google Translate dengan bendera bundar :

Bahasa Inggris Ke Indonesia :

Bahasa Indonesia Ke Inggris :

Bahasa Indonesia Ke Cina :

Bahasa Indonesia Ke Korea :

Bahasa Indonesia Ke Jerman :

Bahasa Indonesia Ke Perancis :

Bahasa Indonesia Ke Jepang :

Bahasa Indonesia Ke Arab :

3. Bahasa Lain :

Arabian

Bulgarian

Croatian

Czech

Denmark

Dutch

Finnish

Greek

Hindi

Italy

Portuguese

Romanian

Rusian

Spanish

Swedish

Filed under: Application

medi[a]esthetic

seriyoga parta — Mon, 29 Nov 2010 07:58:27 +0000

Pameran Kelompok G-Five

(tgl. 16 Desember 2010, di Tony Raka Art Gallery Mas Ubud Bali)

Kurator I Wayan Seriyoga Parta

G-Five adalah kelompok perupa muda asal Bali yang menetap di Yogyakarta, mereka merupakan salah satu kelompok perupa yang eksistensinya terwadahi dalam perkembangan seni rupa kontemporer. Keanggotaan dari G-Five antara lain; Upadana, Valasara, Gede Putra, Ardika, dan Legianta, adalah lima orang perupa muda yang sama-sama berasal dari daerah Gianyar Bali. Meskipun terbilang masih muda (emerging artists) masing-masing dari mereka telah cukup memiliki eksistensi dalam perhelatan seni rupa kontemporer dan sebetulnya tanpa berkelompok pun secara individu mereka tetap bisa eksis. Akan tetapi kuatnya ikatan sosial yang merupakan geneologi kebudayaan asali mereka (Bali), membawa mereka untuk maju bersama-sama dalam menapaki medan seni rupa kontemporer dalam konteks yang lebih luas.

Kebersamaan dalam kelompok tidak serta merta kemudian membuat mereka menseragamkan kecenderungan visual karya-karya mereka, kelompok dalam hal ini merupakan wadah untuk mempertemukan gagasan masing-masing yang berbeda-beda. Sehingga di dalam kelompok ini sesungguhnya individu-individu tersebut saling “mempertarungkan” ide dan gagasannya, perbedaan yang melekat sedari awal untuk selanjutnya menjadi kekuatan tersendiri, karena dapat menumbuhkan spirit untuk memacu persaingan positif dalam membuat capaian-capaian berkualitas. Meskipun secara kelompok mereka tidak membuat sebuah kesepakatan secara konsepsi yang kemudian dapat diusung bersama, dalam amatan penulis secara implisit tetap ada yang mengikat mereka selain kesamaan asal, dan kesamaan itu terletak pada eksplorasi media yang mereka lakoni dalam berkarya dan kedekatan dalam cara mengungkapkan gagasan.

Eksplorasi masing-masing dari mereka dalam hal media dilakoni sejak awal mulai merintis karir menjadi seniman, Upadana yang berasal dari disiplin seni patung memiliki ketertarikan pada eksplorasi dengan berbagai material seperti; kayu, besi, resin, dan juga eksplorasi media dua dimensi dalam perjalanan awal kreativitasnya dia bahkan beberapa kali membuat projek performance art. Berasal dari disiplin yang sama yaitu seni patung, Made Gede Putra memulai ketertarikannya pada ekplorasi yang menggabungkan dua material yang memiliki karakter berbeda seperti material batu dan kayu, dari eksplorasi media tersebut kemudian Gede Putra membangun rangkaian pemaknaan.

Sementara tiga peserta lainnya yang berasal dari disiplin seni lukis, juga memulai kreativitas mereka dengan menekuni ekpslorasi media tertentu. Legianta memilih tetap konsisten pada eksplorasi media dua dimensi dalam hal ini kanvas dengan memakai material cat paste merupakan campuran dari warna, serbuk khusus dan ditambah zat karet (ruber), dengan material tersebut ia membuat capaian-capaian teknik dan juga dalam hal tematik. Sementara Valasara mengeksplorasi media kanvas dia tak merasa cukup hanya melukis di kanvas, kain kanvas selanjutnya dia jahit untuk mendapatkan efek muncul (relief) dengan memakai lapisan spon (dacron) dapat disebut sebagai teknik emboss. Melalui eksplorasi awal tersebut dia mulai mengembangkan kecenderungan visualnya dan juga kontens dalam karya-karyanya. Ardika yang sedari awal hanya melukis dikanvas, dalam perkembangannya kemudian juga mulai meluaskan eksplorasinya pada media-media yang lain selain kanvas.

Secara metode, mereka mengawali kreativitas berkarya dengan mengeluti eksplorasi media yang pada awalnya lebih difokuskan pada pengusaan yang bersifat teknikal kemudian diikuti dengan melatih kepekaan dalam hal mengolah atau mengkomposisi unsur-unsur visual. Sederhananya kreativitas tersebut diarahkan pada capaian-capaian estetis, yang dapat dilihat pada pencapaian awal karya-karya mereka. Terutama pada Valasara yang cukup lama mengesplorasi garis dan efek optikal begitu juga Upadana dan Gede Putra, karya-karya awal mereka sarat dengan kecenderungan eksplorasi estetik yang mengarah pada formalisme. Dalam perjalanannya kemudian, mereka memutuskan tidak mau terjebak pada satu kencenderungan tertentu.

Perkembangan yang menarik dari kekaryaan mereka adalah keuletan mereka dalam bereksplorasi media dua dimensi dan tiga dimensi hingga menemukan cara ungkap mereka masing-masing yang khas. Dapat dilihat dalam karya Gede Putra yang memakai material spon matras disusun melingkar dan dikombinasikan dengan material kayu dan batu. Melalui penggabungan kedua material yang secara kasat hanya menampilkan komposisi tersebut, Gede Putra membangun narasi tentang sesuatu yang alami dan yang pabrikan, atau katakanlah antara yang natural dengan teknologi modern. Gede Putra membangun rangkaian relasi pemaknaan melalui eksplorasi media yang telah lama ia geluti, media dalam menjadi sebuah metafor yang merepresentasikan nilai-nilai yang kontradiktif dalam aspek kehidupan. Kontradiksi eksis dan menjadi aspek penting dalam kehidupan, dalam istilah Hindu Bali disebut rewa bhineda hitam-putih, baik-buruk dan sebagainya, sesuatu yang kontras yang dia tunjukkan juga melalui karyanya.

Upadana membuat bentuk pohon dengan memakai material resin bening di atas kanvas putih, adalah sebuah komposisi bidang dan warna yang di dalamnya juga disisipkan dengan narasi perihal penghayatannya pada tumbuhan atau alam. Upadana menggali kembali ketertarikannya pada sesuatu yang natural, dan yang melankolis melalui karyanya kali ini, ia mencoba melakukan penjelajahan pada pengalaman-pengalaman estetis yang dia rasakan ketika berhadapan dengan fenomena alam yang menggugah perasaannya. Membawanya pada penjelajahan dalam tataran rasa, pada titik-titik tertentu pengalaman-pengalaman tersebut begitu berkesan baginya, kemudian dia terjemahkan dengan metafor pohon. Sejenak penghayatan Upadana mengingatkan kembali pada kecenderungan Romantisisme, kecenderungan karya-karya Romantisisme umumnya mengetengahkan sedikitnya dua sisi; puitik dan tragedi dan mengedepankan pada penghayatan yang dapat menggugah perasaan. Seniman Romantis mengungkapkannya dengan mengetengahkan fragmen-fragmen kejadian alam seperti sunset yang dramatik, atau gunung meletus dengan kekuatan maha dasyat. Cara ungkap Upadana tidak dramatik, cenderung lebih dekat dengan puitik, seperti pohon putih di atas kanvas putih ditambah dengan barisan api.

Ardika menampilkan sosok Twiti dari ikon popular dengan sebuah benda yang berbalut daging, dua komposisi obyek tersebut tidak secara langsung membuat narasi pemaknaan. Ardika kembali menambahkan sebuah teks ‘see u in the next sickness’ lalu apa hubungannya dengan kedua objek tadi, obyek berbentuk setengah lingkaran berwarna coklat berbalut daging dalam hal ini dimaksudkan dengan konsumsi dan kemudian dipertegas dengan teks sampai jumpa pada penderitaan dalam dendangan si burung Twiti. Konsumsi dalam konteks yang lebih luas bisa dimaksudkan sebagai kecenderungan konsumerisme, dan budaya konsumer memang telah menjangkiti manusia kontemporer. Aktivitas konsumsi penuh dengan penjejalan pada kebutuhan-kebutuhan yang dikonstruksi, sebuah kesadaran yang semu dengan membangkitkan hasrat untuk mengkonsumsi walaupun sebenarnya tidak terlalu butuh. Managemen terhadap hasrat itu dikonstruksi melalui visual yang menggoda, dibumbuhi dengan janji-janji mengajak untuk mencoba suatu produk yang dijajakan. Ketika rangkaian kontruksi visual tersebut kemudian diganti penataannya untuk menyisipkan muatan kritis seperti dalam karya Ardika, sejenak auidens dibuat bertanya-tanya dan mungkin kebingungan mengenai makna yang dimaksudkan. Akan tetapi begitulah karya seni, kerap kali dibuat tidak langsung menunjuk pada makna yang dimaksud, sebelumnya dibuat agar audiens bertanya-tanya, berpikir sejenak, langkah selanjutnya bisa mengevaluasi fenomena yang tengah terjadi dan telah menjadi keseharian bahkan telah menghegemoni. Baudrillard menyatakannya sebagai simulacrum dan kita hidup di dalam kesadaran simulasi tersebut kenyataan-kenyataan yang telah terkonstruksi dan tanpa sadar kita larut dalam konstruksi tersebut.

Sementara Valasara yang membuat sosok Barong dengan teknik emboss berwarna putih di kanvas yang juga berwarna putih, karya ini memperlihatkan dua kecenderungan tematik; 1. demistifikasi Barong, yang sejatinya penuh dengan aura mistis, 2. sublimasi Barong yang meriah dengan hiasan ukiran dan warna-warna gemerlap, menjadikannya lebih bersahaja dan sublim. Demistifikasi yang dimaksud adalah fenomena yang terjadi pada budaya Bali dalam konteks perkembangan pariwisata, yang mana Barong telah menjadi ikon dalam jualan pariwisata budaya, Barong yang merupakan sosok dihormati disakralkan pada kenyataannya mengalami desakralisasi demi kepentingan industri pariwisata. Barong kemudian mewujud ke dalam dua realitas; realitas religi dan realitas kebudayaan. Dalam konteks kekaryaan Valasara yang dibuat lebih sederhana putih di atas putih sosok Barong di sublimasi dalam penghayatan pribadinya, mencari kembali esensi dari Barong itu sendiri. Valasara membersihkan kembali Barong dari realitas budaya yang jamak dijalani dalam realitas yang terdistorsi dan cenderung dipahami pada tataran permukaan semata, padalah ada nilai-nilai luhur yang terkandung di dalam sosok kreasi imajiner manusia Bali tersebut.

Sama hal nya juga pada Legianta yang sudah sejak lama menggeluti eksplorasi dengan teknik plototan warna kental yang disusun seperti efek jajan Sarad (jajan tradisional Bali yang dipakai sebagai sarana upakara/banten), melalui teknik itu dia membuat tokoh creature seperti tokoh hero dalam komik. Pada awalnya pencarian teknikal Legianta terlihat biasa-biasa saja, namun kemudian kekusyukannya pada eksplorasi media tersebut membuatnya menemukan ritme dari kinerja artistik berupa pengulangan-pengulangan garis yang monoton dan monokromatik. Bertolak dari situlah dia kemudian membangun kontens dalam karyanya, sebagai makhluk sosial yang mempunyai kesadaran terhadap fenomena sosial di sekitarnya. Lagi-lagi narasi visual yang diungkapkan tidak secara langung merujuk pada fenome tertentu, Legianta membungkusnya dengan memakai sosok creature mirip robot dengan hiasan ornamentik memerankan sulap (magic) hal ini ditandai oleh teks dengan tulisan ‘bim salabim, abra kadabra’. Dari konstruksi visual yang ditampilkan sepertinya Legianta sedang menurujuk pada femonema instans dalam budaya kontemporer, yang telah menjadi bagian dari realitas kehidupan masyarakat saat ini. Seperti itulah Legianta membangun relasi pemaknaan melalui konstruksi visual dalam karyanya, dan kecenderungan tersebut menjadi semacam kecenderungan bersama dalam kreativitas kekaryaan para eksponen dalam kelompok G-five.

Kekaryaan mereka secara umum memiliki intensi pada eksplorasi media untuk menampilkan nilai estetis, yaitu berupa kesadaran pada pengorganisasian aspek-aspek estetika. Melalui eksplorasi itulah kemudian mereka membangun narasi-narasi tentang persoalan diri, sosial, budaya, modernitas, globalisasi dan juga tradisi serta lainnya, dengan bahasa ungkap mereka masing-masing. Salah satunya dengan metafor, di dalamnya narasi tidak tampil secara linier atau secara urutan-uratan cerita yang jelas tetapi dengan menampilkan penggalan-penggalan yang berdiri sendiri. Ekplorasi kekaryaan mereka berkaitan dengan interpretasi dan pencerapan mereka terhadap tema atau persoalan yang diangkat untuk kemudian ditampilkan secara visual.

Bertolak dari eksplorasi media, mereka kemudian mengembangkan kreativitas masing-masing pada berbagai kecenderungan visual, mulai dari abstraksi, figuratif hingga realis, dengan tema dan kontens yang berbeda-beda. Dalam mengembangkan kecenderungan visual yang beragam tersebut mereka tetap memakai cara ungkap yang telah digeluti, sebuah eksplorasi yang pada awalnya yang lebih bersifat teknikal tersebut kemudian berkembang menjadi bahasa ungkap mereka masing-masing. Jika hal ini secara konsisten terus digeluti bahasa ungkap tersebut lambat laun akan mengalami kematangan dalam elaborasi masing-masing dan nantinya tentu dapat menumbuhkan kekhasan dan karekter pada karya-karya mereka.

Kekhasan karekter visual menjadi wacana penting dalam perkembangan seni rupa modern terangkum dalam semangat untuk membuat kebaruan, otentisitas dan orisinalitas dalam karya. Terakumulasi dalam capaian-capaian yang kemudian menjadi aliran atau isme-isme, seniman modern berlomba-lomba untuk menemukan kekhasan masing-masing. Dalam wilayah pemikiran pergerakan ini didasari oleh dialektika Hegelianisme (tesis, anti tesis, sintesis, dan tesis baru). Sebuah pencapaian awal disebut tesis di dalamnya pasti mengandung benih-benih kontradikif dari benih inilah kemudian direspon oleh pencarian lainnya sehingga menghasilkan antitesi dan pencarian ini kemudian bersintesis hingga melahirkan capaian baru atau tesis baru. Dialektika itulah yang terjadi dalam pergerakan isme-isme dalam seni modern, semakin lama akselerasinya semakin kencang dari impresionisme dan berujung pada formalisme atau abstrakisme yang melampaui ruang dan waktu.

Dalam era seni rupa kontemporer ini pencarian pada kekhasan tersebut mulai ditinggalkan, tergerus dengan kecenderungan anything goes, flatness, dan yang cukup mengejala kecenderungan apropriasi. Apropriasi sederhanannya adalah mengambil dari sesuatu dan mengolahnya menjadi sesuatu yang lain (dalam modernism sesuatu itu menjadi yang baru), dalam perkembangannya terutama postmodern apropriasi kemudian menjadi “copy – paste” 90% atau dengan sedikit pengolahan. Serta kecenderungan untuk melampaui teknik dengan alih-alih mengedepankan konsep namun bukan konseptual art. Berbagai kedencerungan tersebut saling bertarung “melegalkan” diri dengan nilai masing-masing, merespon keruntuhan nilai-nilai yang dulunya berlaku absolut.

Dialektika model Hegelian sudah ditinggalkan, akan tetapi menurut penulis tidak berarti semua nilai yang dilahirkan oleh dialektika tersebut kemudian harus sepenuhnya ditinggalkan, bagaimanapun kekhasan tersebut tetap menjadi suatu nilai penting sebuah karya seni. Meskipun Brillo Box (1995)-nya Warhol tidak ada bedanya dengan box sebenarnya dan kemudian Arthur Danto tergugah untuk membuat tesis the end of the art, sedikit tidaknya dia tetap memiliki kekhasan karena untuk pertama kalinya dijadikan karya sehingga kemudian disepakati oleh medan seni sebagai karya seni yang bernilai. Memang kekhasaannya bukan pada capaian yang bersifat teknikal, tapi lebih pada gagasannya.

Kekhasan atau dalam istilah modernnya otentisitas dan orisinalitas merupakan warisan nilai yang tidak harus ditolak apalagi dibuang, kedua hal tersebut tetap bisa menjadi nilai bagi kreativitas seniman untuk mendukung capaian-capaian dalam kekaryaannya. Fenomena keterbukaan (a zone of freedom) seperti sekarang ini dimana berbagai nilai sacara bebas bertarung dalam mengejar eksistensi, sehingga nilai mengandung relatifivitas yang tinggi. Perkembangan yang terbuka ini kadang juga membuat seniman kebingungan dan mengalami disorientasi. Untuk hal itu nilai-nilai dasar seperti capaian teknis dan nilai estetik atau hal-hal teknis dalam seni dapat mengasah sensibilitas (sensibility of art) (disebut nilai tekstual selain nilai kontekstual), merupakan sebuah pijakan awal yang dapat mengantarkan kreativitas seniman ke gerbang yang lebih luas dan terbuka.

Filed under: Article

Dimensi

seriyoga parta — Sun, 01 Aug 2010 08:08:34 +0000

Kurator: I Wayan Seriyoga Parta

Difinisi dimensi dalam ensiklopedia online, Wikipedia adalah sebagai berikut:

Dalam penggunaan umum, dimensi berarti parameter atau pengukuran yang dibutuhkan untuk mendefinisikan sifat-sifat suatu objek—yaitu panjang, lebar, dan tinggi atau ukuran dan bentuk. Dalam matematika dan fisika, dimensi adalah parameter yang dibutuhkan untuk menggambarkan posisi dan sifat-sifat objek dalam suatu ruang. Dalam konteks khusus, satuan ukur dapat pula disebut “dimensi”—meter atau inci dalam model geografi, atau biaya dan harga dalam model ekonomi. Waktu sering disebut sebagai “dimensi keempat”. (http://id.wikipedia.org/wiki/Dimensi)

Dimensi memiliki lingkup pengertian yang luas, mulai dari fisikal (wujud: 2 dimensi, 2 dimensi), waktu/skuensial yang juga disebut sebagai dimensi ke-4 pergerakan waktu kita alami dalam kehidupan ini. Gerak dan perubahan menjadi salah satu penanda waktu, dalam film atau audio visual aspek waktu dapat kita lihat dalam durasinya. Dalam seni rupa dimensi menjadi dasar untuk mengelompokkan disiplin keilmuan; dapat dilihat dalam pemisahan seni rupa bersadarkan wujud antara lain seni 2 dimensi pada seni lukis dan seni 3 dimensi berupa patung. Pengelompokkan itu bahkan kemudian menjadi mainstrem dalam perkembangan seni rupa modern, yang meletakkan ekplorasi pada kedua dimensi medium tersebut sebagai fokus utama.

Berdasarkan dimensi yang terkategori tersebut kemudian memicu kreativitas untuk melampaui batasan-batasannya, kreativitas seniman tidak pernah dapat dibatasi sehingga kemudian muncul perluasan-perluasan seperti dalam seni instalasi, pengabungan berbagai media (mixed media), performance art yang melibatkan gerak dan ruang yang tidak terbatas. Perkembangan eksplorasi dimensi dalam medium karya, juga beriringan dengan perkembangan pada tataran wacana seni rupa, seperti dari modernisme ke posmodernisme. Perkembangan pada eksplorasi medium memicu pemikiran-pemikiran penting, Arthur C. Danto yang mengumandangkan pemikiran tentang the end of art, dalam analisisnya tentang karya Brillo Box (1995) Andy Warhol yang menampilkan box (kotak) yang sebenarnya, secara wujud visual karya ini tidak ada bedanya dengan benda aslinya, tapi value of the art berupa konsep yang dikandung dalam karya tersebut menjustifikasi perbedaan di antara keduanya. Konsep pemikiran tentang perkembang seni rupa dipicu oleh gejala visual (dimensi karya) dan begitu juga sebaliknya, eksplorasi karya kemudian juga merepresentasikan pemikiran yang tengah berkembang. Singkat kata, dimensi menjadi aspek penting dalam perkembangan seni rupa.

Dimensi sebagai tajuk dalam pameran ini dimaksudkan sebagai refleksi tentang peran medium sebagai aspek penting dalam perkembangan seni rupa hingga saat ini. Dimensi yang dalam konteks karya seni rupa termanifestasi dalam medium menampilkan berbagai perkembangan visual dan juga penggarapan secara teknik. Kerangka pameran ini tidak melibatkan diri pada silang sengkarut wacana seni rupa kontemporer yang sepertinya tidak akan pernah berujung pada kejelasan definitif. Konon seni rupa kontemporer tidak akan selesai dirumuskan, jadi dalam hemat penulis biarlah gejala visual yang direprsentasikan oleh karya-karya para seniman memberikan refleksi tentang nilai kontemporer yang dikandungnya. Karena perkembangan seni rupa kontemporer salah satunya ditandai dengan keragaman dimensi kekaryaan, dan keragaman itulah yang tengah dipresentasikan oleh perupa dan karya-karyanya dalam pameran ini.

Pameran ini melibatkan seniman-seniman yang menggarap karya dari berbagai dimensi tersebut, mulai dari 2 dimensi yaitu lukisan, mixed media, seni patung sebagai wujud 3 dimensi dan juga perluasannya dalam bentuk seni instalasi. Selain dalam wujud fisik dimensi juga dapat dilihat dari konsep para seniman, dan tertuang dalam tema yang dihadirkan dalam karya. Dimensi tema memiliki konteks yang luas menyangkut fenomena sosial dan kebudayaaan. Mereka adalah; Arief Tousiga, Bagus Indrayana, Diyanto, Dolorosa Sinaga, Harry Cahaya, Made Mahendra mangku, Made Pasek Kusumawijaya, Made Supena, Nyoman Wijaya, Putut Wahyu Widodo dan Wayan Sujana “Suklu”. Pameran ini bermaksud untuk melihat relasi-relasi perluasan dimensi tersebut, dan pencerapan oleh para seniman yang termanifestasi dalam konsep dan wujud visual-karya mereka. Kemudian masing-masing karya tersebut akan mencoba membangun jalinan komunikasi dengan para apresian dengan inteprestasinya masing-masing, karena karya seni miliki dimensi yang luas tidak saja bersifat fisik tapi juga psikis. Dalam wilayah yang sublim aspek psikis akan terjalin dengan sendirinya antara karya seni dan apresian, karena proses internalisasi. Indra dalam hal ini hanyalah pengantar pada penghayatan internalisasi tersebut, dan saya persilakan kepada para audiens menjalani proses tersebut.

Bandung Juli 2010

(Kuratorial teks pameran Dimensi, di El-canna Fine Art Jakarta, Juli-Agustus 2010)

Filed under: Journal

“EKSPRESI KAYU”: Mengurai Kembali Terminologi Kriya

seriyoga parta — Wed, 02 Jun 2010 00:32:06 +0000

Semakin intennya pameran yang diselenggarakan oleh seniman (mahasiswa) Kriya dalam beberapa waktu belakangan ini, pada tahap pertama menyiratkan adanya keinginan dari seniman kriya untuk ikut mendinamisasi perhelatan seni rupa. Akan tetapi bagaimana dengan pergerakan karya-karyanya sendiri ? Apakah para seniman kriya akan terus terjebak dengan kungkungan diseputar kategori dan batasan-batasan dimensional maupun material, yang kembali hanya akan membatasi ruang kretifitas ?

Setelah pameran “ Shadow” yang diselenggarakan oleh mahasiswa jurusan Kriya ISI Denpasar yang tergabung dalam K 2000, pada bulan Maret – April 2004 lalu. Kini dengan jumlah yang lebih banyak mereka kembali menggelar pameran bersama dengan judul yang kembali menggelitik yaitu “Ekspresi Kayu”. Pameran ini diikuti oleh kurang lebih 26 orang mahasiswa Kriya dari angkatan 2000 – 2003, dengan mengambil Museum Sidik Jari Denpasar sebagai tempat untuk merepresentasikan karya-karya terbaru mereka selama enam bulan terakhir. Pameran akan digelar mulai dari tanggal 18 September sampai dengan 2 Oktober 2004.

Penggambilan angle “Ekspresi Kayu” dalam pameran ini dilandasi dengan menggunakan pendekatan medium, salah satu benang merah untuk mengidentifikasi kriya adalah melalui mediumnya seperti; kayu, keramik, logam, serat, fiber, dan sebagainya. Penjudulan ini menandakan usaha untuk keluar dari ketidakjelasan lingkup istilah kriya, yang kerap memunculkan perdebatan yang cenderung mengkonotasikan kriya hanya sebagai seni rendahan, dan kerajinan semata. Karena sampai sekarang istilah kriya di samping belum begitu populer, sepertinya masih belum begitu dimengerti oleh sebagaian masyarakat seni dan terlebih lagi masyarakat luas. Hal itu tentunya sangat wajar, karena dalam lingkungan akademis sendiri pembahasan dan perdebatan tentang karya kriya ini masih belum terakumulasi dengan jelas, sehingga kerap menimbulkan masalah dalam orientasi sistem pengajaran di akademis.

Kriya adalah istilah yang digali dari budaya masa lalu di Indonesia, pada awalnya merupakan sebuah terminologi yang melingkupi seluruh praktek seni di Indonesia. Dalam usaha mengenali konteks budaya etnik masa lalu mungkin istilah ini masih relevan. Namun seperti diketahui dalam mengidentifikasi seni di Indonesia selama ini istilah kriya tidaklah eksis, yang lebih eksis justru istilah seni rupa. Di samping itu telah menjadi hal yang kaprah dan telah terkonvensi bahwa seni rupa selama ini diterjemahkan dari istilah fine art (seni murni) dalam bahasa Inggris. Sehingga dapat ditengarai penjurusan seperti seni murni dan kriya dalam akademi seni rupa di Indonesia jelas berlandaskan pada dikotomi art – craft seperti dalam seni modern di Barat.

Maka hadirlah fakultas/jurusan seni murni dan desain yang melingkupi seni lukis, patung, dan juga desain. Di sisi lain hadir juga jurusan Kriya, yang ketika menilik ke Barat mendapat padanan dengan craft. Ketika dipadankan dengan craft di Barat, kriya cenderung akan berada pada wilayah heirarkis antara dikotomi art dan craft. Secara sadar atau tidak ketika mengadopsi pola dan wacana art-craft Barat kita telah berada pada wilayah yang ahistoris dan cenderung merugikan, karena seting yang yang melatar belakanginya sangat berbeda. Di Barat pergerakan craft bukan hanya dalam tataran visual semata, namun perlu dilihat pergerakan paradigma dan pergulatan wacana dalam perjalanan historisnya.

Karena dalam perjalanan craft di Barat kemudian muncul perlawanan-perlawanan seperti gerakan art and craft movment atau di Eropa yang merupakan reaksi atas lahirnya masyarakat industri Barat yang dimotori oleh John Ruskin dan Robert Morris. Gerakan ini kemudian memberi berpengaruh melahirkan profesi desainer sebagai bentuk aplikasi “pertukangan” pada industri. Belakangan resistensi craft hadir dengan mangadopsi maupun dengan meluluhkan diri dalam term modern atau kontemporer. Craft tetap tidak dapat masuk dalam wacana art world. Sedangkan di Indonesia yang namanya masyarakat industri itu tidak pernah ada, dan juga tidak ada debat yang intens mengikuti perkembangan kriya.

Dalam konteks inilah kemudian terminologi kriya kehilangan lingkupnya dalam mewadahi seni rupa Indonesia. Istilah kriya sendiri mimiliki sepektrum begitu luas dan sering menimbulkan “bias” sehingga kemudian dibutuhkan pemahaman pada konteks pembicaraan. Ketika Istilah kriya ditujukan untuk memberi intensi pada kategori praktek visual tertentu yang memiliki kebedaan, lingkup wilayah kriya menjadi tidak jelas karena kemudian sulit sekali menarik batas yang rigid dengan bidang seni yang lain. Sehingga kriya sering berada dalam wilayah yang “ambigu”, dalam batasan-batasan katagori antara seni dan desain, hal ini terjadi justru ketika seni rupa didudukan dalam frame seni modern (fine art).

Kriya dalam lingkup pendidikan selama ini memang take for grated diterima begitu saja, usaha-usaha pengkajian secara kritispun sepertinya selalu dimentahkan dengan rumitnya sistem kurikulum yang sangat centralistik. Padahal pendidikan kriya (seni) yang ada di masing-masing wilayah di Indonsesia memiliki local problem sendiri-sendiri yang tidak selalu bisa diputuskan secara general tanpa memeriksa setingnya, dan belum tentu masih relevan dalam konteks pada masa sekarang. Salah satunya seperti saya sebutkan tadi adalah masih minimnya pemahaman masyarakat mengenai istilah kriya. Sampai saat ini benang merah kemudian yang dapat ditarik untuk melihat kriya adalah pada wilayah mediumnya, dan intensitas teknisnya yang disebut craftmanship.

Mekipun lewat studi komparasi seperti ini cenderung menjadikan persoalan kriya sangat complicated, tetapi saya tidak mengharapkan seniman/mahasiswa kriya benjadi tambah bingung, fesimis, apalagi frustrasi dalam menapaki perjalanan kretifnya. Namun sebaliknya dapat semakin terbuka dan selalu berusaha menganalisis bidang yang sedang dijalaninya. Satu hal yang patut diketahui, dalam konteks seni rupa Indonesia dan umumnya di Negara non-Barat dimana kriya tidak mengalami desakan yang begitu kuat seperti yang dialami craft di Barat, justru karena “ambigu” itulah kriya/seniman dapat dengan leluasa bergerak dan bukan tidak memungkinkan untuk melampui kategori yang disandangnya. Dalam tataran visual sesungguhnya karya-karya seniman kriya dalam medan seni rupa Indonesia selama ini tidak pernah dipermasalahkan jika bersanding dengan karya lukis ataupun patung. Hanya skat dalam wilayah akademislah yang kemudian menjadikan karya/seniman kriya cenderung ekslusif tanpa berusaha memahami medan yang sedang dihadapi.

Kembali pada pertanyaan yang diajukan pada awal tadi, menyimak karya-karya dalam pameran ini sepertinya ada permasalahan klasik yang masih dihadapi para peserta. Sampai saat ini umunya para peserta masih disibukkan dalam pecarian subject matter, sementara pengolahan bentuk, komposisi, dan pewarnaanya masih seperti itu-itu saja.Menurut hemat saya masalahnya bukan hanya pada keotentikan,atau keanehan subject matter. Ada ruang-ruang kosong yang masih terlupakan seperti mempermainkan karakter material, baik aplikasi, atau manipulasi, pewarnaan yang lebih pop misalnya. Wujud bukankah tidak harus dua dimensional, bisa insatalasi, site spesifik, objeck, bahkan patung sekalipun. Format pameran sepertinya harus diperhitungkan juga mungkin bisa diformat dalam bentuk gerakan pembaharuan misalnya, agar tidak semata-mata hanya sekedar hadir.

w. seriyoga parta.

Filed under: Kriya

REPOSISI SENI KRIYA: (Memacu Perkembangan Karya-Karya Kriya Mutahir)

seriyoga parta — Wed, 02 Jun 2010 00:30:36 +0000

Istilah kriya secara intensif mulai diperkenalkan dalam dunia akademis. Dalam usahanya untuk memasyarakatkan dan mereposisi diri, kriya dihadapkan berbebagai persoalan dan steriotif yang mendudukkan kriya sebagai seni rendahan dan termajinalkan dalam pembahasan seni rupa (seni murni). Adanya persepsi bahwa kriya tak lebih merupakan seni terapan, seni dekoratif, bahkan kerajinan karena hanya mengabdi pada kaidah keterampilan penanganan teknis, yang nilainya berada di bawah dan tidak pantas dipadankan dengan seni rupa – seni lukis dan patung. Persepsi ini diwariskan oleh dikotomi fine art (seni murni) seni lukis, seni patung, dan arsitektur atas craft dalam seni modern Barat. Namun situasi di Indonesia tidaklah seeksterm di Barat dimana craft sangat termarjinalkan dianggap bukan seni, dan tidak diberi kesempatan masuk dalam pembahasan fine art. Seperti halnya negara-negara di luar mainstrem Barat, maka seni modern yang masuk ke Indonesia tidak sepenuhnya merupakan adopsi kaku dari seni modern Barat. Karena mengalami mediasi dengan muatan-muatan lokal yang kerap menghasilkan bentuk-bentuk yang hibrid yang menjadikan seni modern Indonesia sangat sulit untuk diidentifikasi dengan kacamata baku seni modern Barat, hal ini disebabkan oleh bekerjanya nilai-nilai lokal. (Jim Supangkat, Bentara Kompas, 7 Juli 2000) Seni modern yang mono–linear (terpusat) dan menjunjung nilai universalitas cenderung tidak mengakui hadirnya seni-seni dengan capaian sejenis yang berkembang di luar mainsterm Barat.

Dan ketika mengadopsi istilah seni kontemporer, meskipun dirasakan lebih menguntungkan – seni kontemporer Indonesia kembali dihadapkan pada persoalan paradigmatik. Karena kehadiran seni kontemporer di Barat merupakan perlawanan atas seni modern dengan hegemoni universalismenya, dan tradisi high art (high cultur) didukung oleh dominannya peran infrastruktur dalam menentukan standar nilai. Sementara perkembangan seni kontemporer Indonesia lebih dipicu oleh perlawanan terhadap kesewenangan kekuasaan (rezim) dalam kehidupan bernegara sehingga lebih berimpak politis. Bukan perlawanan pada kekuasaan di lingkungan seni rupa, karena infrastruktur yang ada tidak pernah mampu untuk melakukan dominasi apalagi memberlakukakn stantard nilai yang absolut. Dalam usahanya melakukan pemetaan dan pembacaannya atas seni rupa (lokal) Jim mengajukan beberapa sulosi, salah satunya adalah usaha de-labelisasi terhadap wacana lokal tesebut.

Dalam usaha ini sesungguhnya kesempatan baik untuk melakukan pembacaan kembali pada seni kriya yang selama ini terabaikan dalam setiap pemabahasan seni rupa di tanah air. Sebuah kenyataan istilah ini digali dari nilai lokal di masa lalu, untuk menggangkat seni-seni tradisi yang sangat beragam tersebar di seluruh tanah air yang jenisnya mencapai ribuan. Yang masih dilingkupi alam pemikiran metafisis seperti; kesenian Dayak. Asmat, Toraja, dan masih banyak lagi yang tidak terpengaruh oleh modernitas atau memang mempertahankan diri dari arus modernisasi.

Berkaitan dengan tujuan tersebut kriya kemudian dihadapkan pada dua kenyataan, disatu sisi menjadi konservatif sebagai penjaga dan mempertahankan nilai-nilai lokal (tradisi), sedang disisi lain dituntut untuk bisa progress mengikuti perkembangan dan pergerakan seni rupa (visual art) – jika nantinya tidak ingin hanya menjadi museum hidup. Upaya ini sebenarnya sudah digiatkan terutama dalam seni keramik hadirnya nama F. Widayanto, atau Hildawati serta yang lain, serta dengan diintensipkannya pewacanan oleh kritikus kriya seperti Asmudjo sebagai sebuah usaha memacu perkembangan seni keramik di Indonesia. Sedangkan di Bali ada Agus Mulyadi yang dengan sangat antusias memacu pewacaan seni keramik di media masa.

Selain medium keramik kriya mempunyai lingkup yang cukup luas, meliputi; Kayu, Batu. Logam, Serat (tekstil). Tidak seperti seni keramik seni ukir (kriya) kayu sepertinya belum mendapatkan perhatian yang serius terutama dalam hal pewacanaan, baik dari kritikus maupun senimannya sendiri. Sebuah kenyataan bahwa bidang seni ini telah menggairahkan perekonomian di Bali khususnya yang berbasis pada pariwisata budaya. Salah satu institusi yang sampai saat ini masih dengan setia mengembangkan kriya kayu adalah STSI Denpasar yang sekarang sudah menggabungkan diri dengan PSSRD Udayana dan menjelma menjadi ISI Denpasar di samping ISI Yogyakarya, ITB, IKJ, dan STSI yang tersebar di beberapa kota di tanah air. Selama satu setengah dasa warsa institusi ini telah melahirkan puluhan sarjana kriya. Namun sayang setelah keluar dari akademis para seniman kriya menghilang ditelan bumi, sepertinya enggan menampakkan diri dan sama sekali tidak berusaha tampil baik dalam penciptaan maupun pengkajian. Kemudian bisa dilihat hampir tidak ada seniman dari disiplin kriya yang dapat bersaing dalam konstelasi seni rupa. Beberapa yang mencoba eksis adalah mereka yang mendapat kesempatan duduk dalam institusi (menjadi dosen).

Mereka mengembangkan karya-karya individual yang lebih mengetengahkan ekspresi – estetik daripada kriya yang berbasis pada seni terapan dan kebergunaan (kebermanfaatan) yang kemudian dikatagorikan sebagai “kriya seni”. Dengan sedikit optimisme secara perlahan seni ukir (kriya) kayu mutahir hadir dalam Pameran Seni Rupa Menyambut ISI Denpasar. Fenomena yang menarik adalah munculnya kecenderungan untuk melakukan penggalian pada wilayah dua dimensi dan melakukan eksperimen –mengkombinasikan kayu dengan media yang lain seperti kanvas, teknik pahatan dengan melukis dengan warna yang ekspresif atau penegakan karakter bahan. Daripada menjelajahi kemungkinan-kemungkinan pada wilayah tiga dimensi – yang sudah meluas dari instalasi sampai pada konsep ruang yang lebih luas seperti earthwork (earth art).

Pola pemikiran seperti itu sangat dipengaruhi oleh konvensi yang dibentuk oleh seniman kriya sendiri untuk membedakan diri dengan seni lukis (dua dimensi) dan seni patung (tiga dimensi). Disini kriya memposisikan diri berada dalam batasan-batasan dimensi tersebut– yang mempunyai wilayah di tengah-tengah antara dua dimensi dan tiga dimensi (semi tiga dimensi) berbentuk relief. Mempunyai pretensi ketebalan tertentu (berupa relief) tetapi menjauhkan diri dari representasi tiga dimensi (artinya lebih signifikan dengan satu sisi atau penampakan) berbeda dengan seni tiga dimensi (patung) – yang memiliki keterpaduan dalam panampakan segala sisi mendapat pertimbangan. Kenyataan ini dapat disimak dalam karya I Md Supartha “ Tertarik” dari kayu Suar, “ WWW. Information.Com karya Ketut Mudia, dan karya Wayan Suarjana “ Bermain”, meskipun wujudnya tiga dimensi, namun representasinya hanya pada satu sisi hanya dapat dinikmati dari depan –tampak samping dan tampak belakangnya tidak menjadi sesuatu yang penting.

Sementara pada karya Komang Widnyana “Bumi” dan Sidaarsa” Melamun” –menampakkan pencarian pada wujud dua dimensi capaian yang dekat dengan seni lukis. Kecenderungan ini semakin menguat dalam satu tahun belakangan ini bahkan tidak tanggung-tanggung menggunakan kanvas dengan menggabungkan teknik pahat dan melukis. Mereka seolah-olah ingin menyampaikan bahwa dengan kemampuan mengolah bahan (craftsmanship) yang mereka miliki dapat bersaing dengan karya-karya seni lukis.

Meninjau kembali difinisi kriya tidak lain lebih mengacu pada penguasaan dan kemampuan penanganan teknis istilah lainnya craftsmanship dan ini adalah modal dasar, karena dalam perkembangan seni rupa asfek tersebut sepertinya semakin terabaikan. Sehingga kerap terjadi ketimpangan antara capaian visual (teks) dan muatan konteks serta kandungan isi (konteks). Di samping permasalahan konseptual kriya juga di hadapkan pada belum atau minimnya infrasruktur, galeri, museum, institusi seni dan satu lagi adalah pengkaji (kritikus) yang diharapkan dapat melakukan pembacaan dan pemetaan karya kriya dan mencari paradigma bagi perkembangan kriya.

Seriyoga Parta

Tulisan idimuat di Bali Post Minggu, 7 September 2003

Filed under: Kriya

SURAT TERBUKA UNTUK JURUSAN KRIYA ISI DENPASAR

seriyoga parta — Wed, 02 Jun 2010 00:28:55 +0000

Oleh: I Wayan Seriyoga Parta

Sebagai alumni jurusan Seni Kriya penulis merasa miris melihat perkembangan yang terjadi di Jurusan Seni Kriya ISI Denpasar yang terancam berada dalam ambang kemunduran dan bukan kemajuan. Beberapa indikator yang bisa dipakai melihat realitas ini adalah (1) semakin minimnya minat mahasiswa untuk memilih jurusan Seni Kriya (2) persoalan klasik mengenai orientasi kekaryaan kriya antara ke seni murni dan desain, batasan-batasan material wujud (dimensional) hingga kini masih saja menjadi faktor penghambat perkembangan seni kriya. Dan anehnya dengan semakin banyaknya dosen yang studi S-2 di Jawa (ISI Yogyakarta) ternyata tidak mampu merumuskan jalan keluar bagi persoalan ini.

Dalam tulisan Muka Pendet, Membongkar Karya Kriya TA Mahasiswa, Minggu, 29 Juni 2008. Pak Muka mempertanyakan kelanjutan karya-karya mahasiswa kriya yang mengarah pada seni murni, yang pada akhirnya setelah selesai studi lebih banyak “menguap” (menghilang) dari pada eksis dalam medan seni. Pak Muka juga mengeluhkan kenapa mahasiswa tidak menoleh ke desain yang pada realitasnya lebih dapat aplikatif dengan pangsa kerja. Dalam setiap tulisan tentang kriya yang penulis tampilkan di Bali Post pada tahun 2004-2006 sepertinya sudah cukup panjang lebar mengurai persoalan ini. Dalam sebuah tulisan tentang karya TA mahasiswa Kriya 2006 penulis pernah memberi perbandingan sebenarnya karya-karya murni yang dibuat mahasiswa kriya sangat bisa eksis delam percaturan seni rupa kontemporer. Seperti yang penulis contohkan dalam kutipan pameran “Object Hood” 2005 di Yogyakarta. Tulisan tersebut juga sempat ditanggapi oleh dosen Kriya Keramik Agus Mulyadi Utomo yang pada intinya mengatakan kondisi kriya di lembaga pendidikan tidak dapat diperbandingkan dengan term kurasi sebuah pameran.

Tiga tahun telah berlalu dan sekarang ketika terjadi Bom ke- 3 seni rupa kontemporer Indonesia, karya-karya yang menggarap object menjadi salah satu kecenderungan dari karya-karya perupa kontemporer. Kurator Amudjo J. Irianto mengatakannya sebagai “contingent object” dan yang mencetuskan kecenderungan itu adalah Kelompok Jendela di Yogyakarta, dan yang lebih penting lagi salah satu perupa yang inten di dalamnya adalah Handy Wirman jebolan jurusan Seni Kriya ISI Yogyakarta. Perupa lain yang namanya tidak asing dalam percaturan seni rupa kotemporer Indonesia adalah Hardiman Rajab dosen yang Kriya dai IKJ Jakarta yang juga membuat karya object berupa “koper tua” dari besi atau kayu. Atau yang lebih dekat lagi Wayan Sujana (Suklu) dosen seni rupa ISI Denpasar yang menggelar pameran dengan judul “Reading Object” di Gaya Artspace Ubud Bali tgl 26 Juli-26 Agustus 2008.

Kalau masih kurang silahkan cari di mesin pencari Google atau Yahoo, kita akan temukan puluhan dan bahkan ratusan karya-karya yang menampilkan intensitas Kriya. Kalau masih kurang kita bisa cari dengan kata kunci contemporary craft maka akan muncul puluhan alamat web yang mengetengahkan perkembangan contemporary craft (kriya kontemporer) dari di dunia dengan kecenderungan yang beragam baik karya dan juga perkembangan wacananya.

Begitu banyaknya informasi dan begitu terbukanya seni kontemporer seperti sekarang ini dengan berbagai kecenderungan. Mengapa realitas yang terjadi pada institusi kriya dalam perguruan tinggi seperti ISI Denpasar dan sebagian besar pada Institusi Kriya yang lain, menghadapi persoalan yang klasik. Hal ini membuktikan ada yang salah dalam sistem pendidikan kriya kita, dalam hemat penulis persoalannya bukan semata-mata pada kurikulum dengan ada undang-undang desentralisasi dan otonomi semua sistem dalam pemerintahan dan tentunya juga pendidikan, telah diberikan keleluasaan dalam menyusun kurikulum sesuai dengan kebutuhan masing-masing. Bukankah kurikulum adalah pattern saja, yang menentukan bagaimana kurikulum itu memberikan pengaruh yang nyata bagi sistem pendidikan tergantung pada elemen-elemen penggeraknya. Dalam hal ini berada ditangan dosen sendiri sebagai mediator yang menjadi mediator sistem tersebut pada mahasiswa.

Keadaan akan menjadi lebih parah jika mahasiswanya tidak mencoba mencari wawasan di luar dan membangun daya kritis maka siap-siaplah menjadi korban dalam sistem ini. Dan kini hadir persoalan baru ketika Seni Kriya kini dijadikan rumpun induk yang mewadahi disiplin selain material kriya seperti kayu dan sebaginya, juga Seni Rupa dan Desain. Hal ini dapat dilihat dalam surat edaran yang dikeluarkan oleh DIKTI dalam kodifikasi rumpun keilmuan yang akan disertifikasi sebagai implementasi UU Guru dan Dosen. Melihat realitas yang berlangsung di Jurusan Seni Kriya ISI Denpasar, penulis merasa tergelitik untuk mengurai kembali persoalan Kriya ini sembari berharap munculnya kesadaran dari para pengajar Kriya untuk mencari jalan keluar dari persoalan eksoterik ini…!

(Penulis adalah alumni STSI/ISI Denpasar Th. 2003, dan kini Menjadi Dosen Kriya UNG, dan sedang menempuh program Magister di Sekolah Pasca Sarjana FSRD ITB)

Filed under: Kriya

MENCARI JEJAK-JEJAK PERKEMBANGAN: PAMERAN KRIYA SENI K. 2000

seriyoga parta — Wed, 02 Jun 2010 00:23:21 +0000

Pameran karya kriya seni di Bali memang sangat jarang terutama dari teman-teman kriya di STSI Denpasar, setelah pameran kelompok kriya seni (KRIS) STSI Denpasar tahun 1999 di Museum Sidik Jari. Bisa dicatat beberapa pemeran kriya lainnya oleh kelompok Dua Satu di Barong Galeri, dan beberapa kali pameran angkatan, pameran Tugas Akhir dan Solidaritas Kriya, serta pameran Dosen Seni Rupa STSI Denpasar di Museum Rudana beberapa waktu lalu. Selain itu ada beberapa pameran oleh teman-teman Kriya Seni dari ISI Yogyakarta dan Kriya Keramik Unud. Dalam perkembangannya yang sporadis, kali ini kriya hadir dalam pameran Kriya Seni Kelompok K. 2000 yang menggelar karya-karya mereka di Art Center Denpasar, mereka terdiri atas 9 orang mahasiswa jurusan Kriya STSI Denpasar.

Melihat karya-karya mereka ada sedikit nafas yang mengembirakan bagi perkembangan kriya seni. Kecenderungan pendistorsian bentuk masih terasa mendominasi pengolahan karya-karya mereka, yang mengambil subjeck matter antara lain; ikan, ayam, singa, kodok, burung dan wanita. Penampilan karyanya memang cukup perfect terlihat keseriusan mereka dalam menggarap. Nyoman Widnyana mencoba mengkombinasikan kayu dengan kanvas, potongan figur wanita yang terbungkus kain dari bahan kayu ia tempel diatas kanvas dan direspon dengan warna, penempelan ini terlihat relatif berhasil. Figur wanita yang ditampilkannya terlihat seperti patung Nuarta yang futuristik. Penampilan yang hampir sama juga terlihat dalam karya-karya yang lain, namun material yang dipakai bukan kanvas seperti: Nyoman Budiarta yang mengangkat keeksoterikan tari Bali, dalam karyanya Budiarta menerapkan warna-warna yang ekpresif untuk mendukung karakter tari Bali yang penuh gerak karakter bahan (kayu) sudah tidak penting lagi baginya. Wayan Suarjana yang mengangkat burung Elang.

Sementara Sila Adnyana terlihat dengan setia mengolah figur wanita yang terpiuh. Disini Sila berusaha mengolah bahan, karakter bahan sangat dipentingkan dengan mempertahankan serat dan tesktur kayu untuk mengimbangi bentuk yang sederhana. Sementara Gumantra masih setia dengan Singanya yang mengalami stiilirisasi, Sudarma dengan Ayam-ayamnya, Nyoman Sadia sekarang malah beralih dari Lumba-lumba ke-Angsa, dan Agus Juliana dengan ikan-ikannya. Sementara yang lain masih asik dengan permasalahan diseputar bentuk dan tema-tema eksoteris, Dewa Nyoman Mandirawan mencoba mengangkat penomena sosial dengan memakai Kodok sebagai simbulisasi dengan gayanya yang karikatural. Seperti dalam karya yang berjudul “Lemahnya Kaki Hukum” disini membuat seekor Katak yang telah didistorsi sedang diinjak oleh sebuah sepatu boot, menyiratkan tentang kesewang-wenangan aparat penegak hukum yang cenderung menindas yang lemah, bukan malah sebaliknya. Tampilan karya Dewa sangat eksperimental dengan memakai ayaman bambu, warna hijau kusam dan tekstur yang kasar. Bagaimana dengan yang lain apakah tidak terketuk hatinya dengan penomena sosial yang terjadi diseputar kehidupan kita ?.

Secara umum pengolahan dan pencaharian yang ditampilkan sudah cukup beragam, namun masih merupakan penerusan dari kecenderungan kriya sebelumnya tidak ada perombakan yang dramatis, dan tidak ada usaha untuk memperluaskan medium (selain kayu). Penggalian masih diseputar dua dimensi dengan ketebalan relatif yang sering disebut out relief (atau relief timbul), belum ada yang mencoba mengolah permasalahan tiga dimensional (patung). Sehingga masih ada yang mempermasalahkan karya-karya mereka sebagai lukisan atau bukan, permasalahan klaim-mengklaim diseputar batasan (katagori) merupakan masalah yang tidak pernah selesai, walaupun dunia seni rupa saat ini notebene sudah tanpa batasan lagi dengan hadirnya performace, instalasi, video art, dan new media lainnya. Memang permasalahan kriya seni selama ini berada dalam himpitan antara batasan dua dimensi dan tiga dimensi, dan antara seni murni dan seni terapan (applide). Apakah salah jika penampilan karya kriya seperti lukisan ? hal itu sah-sah saja, tapi sudahkah teman-teman sadar diwilayah mana sedang bermain dan siapa-siapa yang ada didalamnya, serta memahami sejauhmana penggalian dan pencapaian diwilayah itu ?. Justru dalam kepungan diantara batasan-batasan tersebut merupakan celah pencaharian bagi teman-teman, tentunya dengan penjelasan yang rasional, bukankah seni sudah sangat-sangat flural !

W. Seriyoga Parta

Tulisan ini dimuat di Bali Post Minggu, 8 Juni 2003

Filed under: Kriya

KAYU – KAYU TERPIUH: (Catatan dari Pameran Tugas Akhir Mahasiswa ISI Denpasar)

seriyoga parta — Wed, 02 Jun 2010 00:20:53 +0000

Oleh: Seriyoga Parta

Selama ini karya seniman dari disiplin kriya selalu absent dalam konstelasi perkembangan seni rupa (Bali, bahkan Indonesia) sedangkan bidang kesenian ini telah hadir dalam beberapa dekade khususnya dalam pendidikan seni di Tanah Air. Kriya dalam perkembangannya yang terakhir mencoba memasuki wilayah seni murni (art for art sich), karena basisnya selama ini lebih berkonsentrasi pada seni terapan. Maka hadirlah yang disebut sebagai katagori kriya seni artinya kriya yang mengedepankan ekspresi – estetik dalam pewujudannya, untuk memisahkan diri dari kriya yang mempunyai basis pada seni pakai dalam katagori kriya terapan (apllaid art). Pemisahan tersebut bertujuan untuk menjelaskan posisi kriya yang selama ini sepertinya selalu terbaikan dalam pembahasan seni rupa. Sebagai wujud resistensi seni kriya dari tekanan seni modern yang dikotomis dan memarjinalkan (craft) seni kriya.

Sekarang kondisinya telah berubah, dimana seni modern telah diberontaki, didekonstruksi, maka hadirlah karya-karya kontemporer (postmo) yang melampaui batasan-batasan, dan merombak dikotomi seni modern yang high art dan seni rupa hadir dalam bingkai visua lart. Artinya kesempatan telah terbuka bagi karya/seniman termasuk dari basik kriya untuk bertarung dalam suasana kontemporarisme yang menggusung fluralitas dalam berkesenian. Akan tetapi sampai saat ini seni/seniman dari disiplin kriya sepertinya masih enggan untuk menampakkan diri. Berkenaan dengan situasi tersebut sangat dibutuhkan sebuah usaha untuk menghidupkan kembali semangat yang telah hilang itu, salah satunya adalah lewat even pameran. Karena lewat pameran kita dapat membuktikan diri masih bisa eksis bersaing dengan teman-teman dari disiplin seni yang lain (lukis, patung, grafis, perfonmace art, video art dan new media/multi media yang lain).

Namun pameran yang dilaksanakan seniman kriyapun sangat minim, salah satu wahana untuk melihat dan membaca kehadiran karya dari disiplin kriya adalah lewat pameran TA. (Tugas Akhir). Seperti dalam pameran TA. ISI Denpasar yang baru saja dibuka tanggal, 7 Januari 2004 ini, hadir karya-karya 7 orang mahasiswa jurusan kriya yang sedang menyelesaikan studinya. Sebagai mahasiswa yang sedang menumpuh Ujian Akhir kesarjanaan mereka dituntut dengan yang namanya konsep penciptaan dalam berkarya. Adapun subjek matter yang mereka angkat mulai dari Perempuan (manusia), Kuda, Ular, Ikan, dan Notasi Balok.

Mereka antara lain, I Ketut Sidaarsa, berusaha mangangkat problematika kehidupan remaja lewat ikon-ikon seperti jarum suntik, narkoba, sampai sek bebas yang merupakan ikon pergaulan anak muda sekarang. Sidaarsa berusaha memadukan material kayu dan objek ready made dengan teknik melukis mengunakan warna cat minyak. Karya-karyanya menyiratkan kemuraman meskipun mengunakan warna-warna panas seperti merah, bentuk yang liris menjadikan pengolahan (deformasi) yang dilakukannya menjadikan karya lemah dan kurang bertenaga. Hal ini mungkin dimaksudkan untuk menyiratkan kemuraman dibalik gemerlapnya kehidupan anak muda jaman sekarang. Sangat kontradiksi dengan kehidupan anak muda yang penuh dengan kegemerlapan, party, dan melonjak-lonjak, mungkin akan jauh lebih menarik jika ditampilkan dengan agak nge-Pop. I Made Budi Adnyana hadir dengan ikan-ikannya yang karikatural memparodikan perilaku manusia yang sedang memancing, main sky, berjemur, atau naik perahu layaknya nelayan. Lewat parodi ikan-ikan tersebut rupa-rupannya Budi bermaksud menyampaikan komentarnya atas ekspoitasi laut yang dilakukan manusia, metode ini akan sangat menarik sendainya bisa diolah dengan material dan pengayaan yang lebih kaya daripada harus terjebak pada satu tampilan yang sepertinya diulang-ulang.

Anthonius Toni Anin mencoba bereksplorasi dengan bentuk-bentuk primitif, ide tersebut sebenarnya dapat menghasilkan pengembangan yang menarik. Seperti bagaimana Picasso mengadopsi karater naïf dari bentuk-bentuk patung dan topeng Afrika untuk menampilkan shock dalam karekter figur lukisannya dan idenya akan Kubisme. Namun sayang sepertinya Anton tidak melihat potensi itu dan terjebak dengan pengolahan yang akhirnya cenderung hanya menjadi sangat dekoratif. I Wayan Suranta mencoba sesuatu yang lain dengan mengangkat subject matter notasi balok salah satu karyanya yang menarik adalah Gitar yang di-blow up dengan ukuran yang lumayan besar mencapai 2 m, dan dikombinasikan dengan besi untuk mengambarkan irama nada yang bergerak mengitari Gitar. Sebenarnya banyak ekplorasi yang dapat dilakukan dari subjek yang sederhana ini, dengan insatalasi misalnya, seperti salah seorang seniman dari Amerika yang menempelkan not lagu pada seluruh dinding ruang pameran, atau dengan mengkombinasikan dengan suara (musik), dari pada harus terjebak pada bentuk relief. Sementara I Wayan Adi Sustawan, Imarun A.A. Lalus (Andre) dan I Made Sunarta Abdi N. sama-sama melakukan penyederhanaan bentuk yang disebut dengan pemihuhan. Sustawan mengangkat gerak tubuh wanita, Andre dengan kehidupan remajanya, dan Sunarta mengolah bentuk Kuda menjadi bentuk yang mirip ular, karakter Kuda yang perkasa terdistorsi menjadi sangat liris. Tidak ada salahnya mengangkat kembali penyederhanaan bentuk ini yang sudah lama mengejala dalam seni patung, Bali, Indonesia, Dunia, bahkan dalam pasar kerajinan seperti di Ubud tetapi pertanyaannya inovasi apa yang dapat mereka lakukan supaya tidak terjebak hanya menjadi pengulang-pengulang (derivat) belaka ?.

Pemiuhan ini diambil dari kata dasar tepiuh, istilah ini pernah dipakai oleh Jim Supangkat untuk menganalisis karya-karya patung yang menggali penyedehanaan bentuk dalam perkembangan seni patung modern Indonesia. Gaya pemihuan (kita sebut saja gaya) muncul dan sempat merebak pada tahun 70-awal 90 an terutama dalam dunia akademis dikalangan pematung-pematung dari STSRI (ISI) Yogyakarta dan ITB Bandung. Fenomena ini sekaligus menandai perkembangan seni patung modern Indonesia. Sedang di Bali mode telah dikenal dari th 40-an dari pemahat lokal yang lebih dimotivasi lewat pesanan, dan konon gaya ini mendapat pengaruh dari patung-patung mexico yang diperkenalkan oleh W Spies dan seniman Mexico yang datang ke Bali. Karena Bali sejak dari pemerintahan kolonial telah disetting untuk menjadi daerah pariwisata karena memiliki potensi kebudayan, kesenian, dan kehidupan relegius yang unik, yang bagi orang luar (Barat) dianggap sangat eksotis. Itulah alasan mengapa akhirnya orang-orang luar pada berdatangan ke Bali termasuk seniman-seniman untuk melihat “surga dunia”.

Perkembangan ini tidak lain juga dipicu dari kesuksesan pematung Hennry Moor dengan patung figuratifnya yang menyederhanakan bentuk mancari esensi dari bentuk manusia kedalam pengolahan formal. Moor adalah salah satu pematung besar dalam perkembangan seni patung modern barat. Kecenderungan menggali esensi bentuk tersebut rupa-rupanya juga menginspirasi mahasiswa STSI (sekarang ISI Denpasar ) dalam berkarya, fenomena ini di STSI (sekarang ISI) memang sudah marak dilakoni oleh sebagian besar mahasiswa kriya dari awal th 90-an dan semakin menjadi-jadi pada akhir th 90 sampai di th 2000-an ini. Ada dua kesimpulan yang dapat ditarik dari fenomena ini, satu sisi penggalian ini merupakan obsesi mengejar esensi bentuk yang pada titik ekstremnya membebaskan bentuk dari ikatan di luar seni rupa (mencari bentuk demi bentuk itu sendiri) yang diwarisi dari formalisme dalam seni modern. Sedangkan disisi lain merupakan kilah bagi ketidak mampuan secara teknik untuk membuat bentuk yang realis, hal ini akan sangat nampak jika tidak dibarengi dengan pemahaman dari apa yang ingin dikejar,serta mengetahui dan memahami konsep nilai historis dari gaya yang diambil.

Dibandingkan dengan kawan-kawan meraka dari seni lukis, karya-karya 7 mahasiswa kriya ini jauh lebih baik minimal dari segi teknis dan keterampilan (craftsmanship). Bangkit rupa realistik merupakan satu indikasi betapa pentingnya ketermpilan (craftsmanship) dalam era kontemporer yang mensahkan segala bentuk pencaharian. Tentunya harus dibarengi dengan gagasan, sehingga tidak terjebak pada craftsmanship belaka. Seminimal apapun usaha mereka ini patutlah dihargai, karena tidak dapat ditampikkan juga benturan-benturan antara keinginan untuk bebas dan represifnya sistem bimbingan yang mereka alami dalam proses menyelesaikan Tugas Akhir ini. Paling tidak ini adalah sebuah awalan yang bagus untuk memasuki dunia seni (art world) yang sebenarnya, dalam bingkai visual art dengan segala kebebasan, tanpa belenggu, tanpa harus terbebani dengan wacana dikotomi lagi untuk bereksplorasi sebebas-bebasnya. Pertanyaan saya adakah dari 7 teman-teman ini merasa tertarik untuk memasukinya, atau kembali harus membiarkan semangat itu hilang dengan sendirinya ?. Sehingga semakin menegaskan bahwa seniman dari basik kriya memang tidak pernah akan bisa bersaing atau paling tidak mengikuti hiruk-pikuknya perkembangan seni rupa. Kalau memang itu yang terjadi, kemudian untuk apa ada jurusan seni kriya, untuk apa ada katagori kriya seni (kriya murni)?

Filed under: Kriya

BEBERAPA CATATAN UNTUK KRIYA ; DALAM PAMERAN TUGAS AKHIR (TA) 2005 ISI DENPASAR

seriyoga parta — Wed, 02 Jun 2010 00:17:42 +0000

Oleh: Seriyoga Parta

Jika dalam art world di Barat craft mengalami resistensi akibat dikotomi yang kuat dalam masa seni modern, sehingga kemudian menghadirkan craft art movement, atau bentuk-bentuk yang hybrid seperti modern craft atau contemporary craft. Masih digunakannya label craft dalam hal ini menunjukkan adanya resistensi untuk membedakan lingkup craft dengan art walaupun dalam prakteknya tidak lain mengadopsi kaidah fine art. Artinya intensi penciptaannya lebih ditujukan kepada seni untuk seni. Sedangkan di Indonesia –bisa dikatakan art world lokalnya tidak seperti di Barat, dimana kriya tidak mengalami tekanan dikotomi dari seni murni (lukis, dan patung). Dan kini lebih menyuruk lagi di ISI Denpasar khususnya dalam pameran Tugas Akhir Kesarjaan (TA) yang digelar di Art Centre Denpasar, yang diikuti oleh 6 orang calon sarjana kriya. Resistensi yang terjadi berupa pengekslusian diri, namun ironisnya tanpa pernah mampertimbangkan medan seni yang lebih luas. Hal ini bisa dilihat dari tahun ke tahun, karya-karya yang hadir dari STSI/ISI Denpasar sepertinya bergerak dalam siklus yang sangat lamban, karena saking lambannya pergerakan yang terjadi nyaris tidak dapat diidentifikasi.

Permasalahan klasik yang menjadi titik berat dari karya-karya yang dihadirkan masih hanya diseputar, kebentukkan, pemilihan subject matter, dan beberapa sepertinya masih mempunyai masalah pada persoalan teknis. Lihatlah karya-karya Fiktor J.A Isu yang inspirasi dari cinta, I Nyoman Murya dengan mengambil inspirasi dari ikan hias atau karya I Nyoman Sudarma, yang berebut subjek mater dengan I Made Agus Suryawan yang mengangkat ayam sebagai sumber inspirasi. Karya Agus digarap dengan sangat telaten dan difinishing dengan baik dan ferfeks. Begitu juga karya I Wayan Suardana yang mengangkat persolan diseputar prilaku anak-anak, I Ketut Muliartajaya dengan ekspresi gerak kudanya, I Komang Widnyana dengan wanitanya yang erotik, dan I Nyoman Budiarta dengan gemulai gerak tari Olegnya.

Sementara I Made Guntur yang mengangkat proses kelahiran dalam beberapa karya cukup eksploratif dalam penggalian kebentukan. Karya-karya yang digelar dalam pameran ini sebagian besar tidak sepertinya tidak bisa keluar dari bingkai lirisisme. Kecenderungan yang diwarisi dari th 90-an ini terus dilakoni sampai saat ini dan ironisnya tidak pernah muncul usaha untuk mempertanyakan apalagi mempermasalahkannya sebagai bahasa ungkap yang sahih di kalangan seniman kriya khususnya di ISI Denpasar. Akan tetapi kesungguhan dan kerja keras mereka dalam mengarap karya-karya dalam rangka menyelesaikan tugas akhir ini patutlah dihargai, walaupun karya-karya ini mungkin menjadi karya “master piece” (karya terakhir) mereka. Karena besar kemungkinan setelah tamat mereka akan meninggalkan kerja kreatif ini, sungguh ironis memang. Tapi begitulah kenyataannya setelah bersusah payah selama empat setengah tahun menyelesaikan 140 lebih SKS, akhirnya ditinggalkan begitu saja.

Baiklah kita kembali mencoba melihat persoalan craft di Barat. Jika dalam era modern craft mengalami tekanan dari fine art, maka sekarang dalam era pasca modern ini kriya mulai mendapatkan angin segar. Seperti diungkapkan oleh Sue Rowley (salah satu kritikus yang konsen dengan wacana kriya dalam era pasca modern) “ pada prinsipnya, pasca modernisme membawa sikap yang lebih positif terhadap kriya bila dibandingkan dengan modernisme. – banyak seniman, termasuk juga seniman instalasi dan tekstil, mengunakan “kriya” justru untuk melakukan refleksi kritis atas pertanyaan pembentukan sosial serta pengalaman temporal dalam konteks ekonomi politik global yang kini muncul… ”. Kriya dibicarakan disini adalah dalam konteks tradisi yang dalam era pasca modern ini berfungsi sebagai ciri kreatifitas alternatif berbasis –komunitas, yang resisten terhadap ide modernis tentang genius yang heroik jelas Sue Rowley lebih lanjut.

Hal ini dapat dilihat dari maraknya pameran-pameran yang berbasis craft seperti Bienale atau Trienale Craft baik di Amerika, Jepang dan Australia ditahun belakangan ini. Begitu juga di Indonesia sendiri pada th 1998 diselenggarakan dua pameran sekaligus “Pola Hias Dalam Seni Kontemporer “ Makna yang Berlapis-lapis” yang dikuratori oleh Merryn Gates, dan Mengungkap Rupa Dekoratif, Makna yang Berlapis, yang dikuratori oleh Jim Supangkat dan Asmujdo J. Irianto yang disponsori oleh Asialink, Canberra School of Art Gallery, dan Australian National University. Yang menarik dalam pameran ini adalah upaya untuk mengangkat pola hias (ornamen) dalam karya seni kontemporer. Setahun kemudian, pada tahun1999 ada pameran Media dalam Media, Instalasi Sebagai Media Ekspresi, di Galeri national Jakarta , yang menampilkan karya-karya instalasi dari keramik, kayu, bambu, tekstil dan logam yang kebanyakan memiliki kecenderungan dekoratif.

Pada th 2002 di Galeri Nasional Jakarta kembali diselenggarakan pameran bertajuk Contemporary Japanese Crafts, yang menyajikan karya-karya keramik, tekstil, kayu, serat, dan logam. Demikian pula dalam Cp–Open Biennale yang juga diselenggarakan di Galeri Nasional Jakarta th 2003, juga mencampurkan karya-karya yang digolongkan kriya atau kriya seni dengan karya dalam lingkup fine art. Belum lama ini di Yogyakarta juga digelar pameran Kriya Kontemporer yang bertajuk “Object Hood” di Gedung Sosietet, Taman Budaya Yogya, atau pameran yang bertajuk “Art Portable” oleh Aditya Novali yang seorang arsitek di Cp-Art Space Jakarta beberapa bulan yang lalu. Menghadirkan karya-karya yang sebagian besar memakai material kayu dengan kualitas craftsmanship yang sangat tinggi. Hingga pameran Seniman Keramik Muda se-Indonesia yang baru saja berakhir di Galeri Nasional Jakarta . Hadirnya seniman dari basis kriya seperti Hendrawan Rianto, F. Widayanto, Nia dan Agus Ismoyo, Anusapati, Nur Sudiati, Hardiman Rajab, Asmujdo J Irianto sampai Handy Wirman S. dalam berbagai perhelatan seni rupa di tanah air menunjukkan perkembangan yang signifikan dari disiplin bidang ini.

Pertanyaan yang muncul kemudian, sadarkah mahasiswa dan terutama para dosennya akan pergerakan dan perkembangan ini ? Namun yang jelas dari berbagai diskusi sampai saat ini “mereka” sepertinya masih dibingungkan pada masalah kebentukan, dan kalim diseputar batasan wilayah dimensionaL. Key word-nya adalah, bagaimana kalau seniman kriya membuat karya tiga dimensi bukankah itu patung? Ini adalah persolan esoteris yang seharusnya sudah ditinggalkan, karena hampir 30 th yang lalu tepatnya th 1975, Gerakan Seni Rupa Baru (GSRB) telah meretas batasan-batasan tersebut.

Keadaan ini sekaligus menyiratkan bahwa wacana craft di Indonesia terlebih lagi dalam lingkup akademis masih sangat sederhana dibandingkan sofistikasi wacana craft di Barat, merujuk pada pernyataan Asmudjo J Irianto (seniman keramik, kurator, dan dosen di ITB Bandung) dalam sebuah esainya. Ini berarti wacana kriya di sini tidak jalan, bisa dikatakan tidak ada debat yang intens antara craft dan art. Lalu apa yang harus dilakukan untuk menyikapi persoalan ini? Lebih lanjut Asmudjo menjelaskan ”wacana dan konsep yang diproduksi oleh perguruan tinggi seni rupa, yang dalam hal ini masih cukup dominan menjalankan prinsip-prinsip seni rupa modern ala Barat, bisa segara diperiksa. Kita juga dapat mengacu pada perbincangan di luar perguruan tinggi seni, dalam hal ini ada dua kemungkinan, pertama; dengan memeriksa perbincangan pada wilayah fenomena praktek yang diasumsikan oleh perguruan tinggi sebagai wilayah craft. Kedua; memeriksa apa yang ditetapkan sebagai craft oleh masyarakat.” Saya kira ini membutuhkan konsen dari segenap elemen yang merasa berkepentingan dengan persoalan kriya, terutama para dosen dan yang lebih penting lagi mahasiswa sebagai agen dari perubahan.

Filed under: Kriya